Selama dekade terakhir, telah muncul jenis komposisi baru yang terasa sangat berbeda dari sebelumnya. Tidak seperti musik yang ditentukan oleh ambisi besar atau keterpisahan yang ironis, karya baru ini memiliki ciri khasnya sendiri. Kisah ini kaya akan pengaruh dan agak luar biasa, dengan sengaja menganut ketulusan namun tidak pernah sepenuhnya meninggalkan ironi. Dokumenter dan otobiografi, menyenangkan dan refleksi diri metamodernisme musik.
Setidaknya, itulah salah satu istilah yang mencoba mendefinisikan estetika baru ini, yang tidak terbatas pada komposisi kontemporer namun telah tersebar luas di seluruh seni. Ini adalah paradigma ekspresif yang merespons era pasca-kebenaran – yang dibentuk oleh krisis ekologi, keuangan, teknologi, dan militer – melalui keutamaan pengalaman yang dirasakan, yang terus-menerus terombang-ambing antara tinggi dan rendah, melankolis dan gembira, sungguh-sungguh dan menyenangkan.
Pertanyaan tentang nomenklatur merupakan hal yang penting, terutama karena metamodernisme — ‘meta’ dalam arti ‘setelah’ atau ‘di luar’ — membingkai dirinya sebagai kata penutup dari postmodernisme. ‘Meta’ juga mengingatkan metaxygagasan Platonis tentang keadaan tertahan di antara kutub, selalu bergerak.
Mereka yang melihat postmodernisme hanya sebagai perpanjangan dari proyek modernitas yang lebih luas kemungkinan besar juga skeptis terhadap konsep metamodernisme. Namun diskusi mengenai kepekaan ini sangat hidup dalam seni visual, sastra, teater, sinema, teori kritis, dan filsafat. Film seperti Hotel Grand Budapest, Semuanya Dimana-mana Sekaligus dan fenomena ‘Barbenheimer’ — yang memadukan unsur sentimental dari Barbie dengan kecanggihan otak Oppenheimerdirilis pada tanggal yang sama – semuanya telah dibaca melalui lensa metamodern. Namun demikian, perdebatan semacam ini sebagian besar masih belum ada dalam studi musikologi dan suara.
Tulisan saya sendiri mengenai subjek ini sejauh ini berkaitan dengan musik Inggris. Pada tahun 2023, saya menguraikan kepekaan yang muncul pada komposer generasi baru – Oliver Leith, Robin Haigh, dan Alex Paxton – dalam teks berjudul ’British School of Emotionalism’, dengan fokus pada bagaimana musik mereka berinteraksi dengan maskulinitas pasca-patriarkal, menghidupkan kembali semangat Romantisisme, dan memadukan kerentanan emosional dengan melodi diatonis dan idiom pop.
Pada tahun 2024, saya memperluas istilah tersebut menjadi ‘British School of Emotionalism and Metamodernism’ (BSEM) untuk mencerminkan minat penelitian ini sekaligus memberikan kerangka yang lebih akademis.
Judul tersebut harus mencerminkan semangat – setengah bercanda, setengah serius, mengandung kenaifan dan pengetahuan – dan tidak pernah dimaksudkan untuk mendefinisikan sekolah yang kaku, karena kepekaan metamodern, menanggapi dunia ’kapitalisme yang terlambat’ (Anna Kornbluh), yang terwujud melintasi batas negara dan benua.
Sedikit teori
Istilah ‘metamodernisme’ pertama kali muncul pada tahun 1975 dalam tulisan Mas’ud Zavarzadeh, muncul kembali pada tahun 1999 dalam karya Moyo Okediji. Namun baru setelah esai berpengaruh tahun 2010 karya Timotheus Vermeulen dan Robin van den Akker, ‘Catatan tentang metamodernisme’, konsep tersebut mulai menarik perhatian ilmiah secara berkelanjutan. Teks mereka dibuka dengan klaim yang berani: ‘tahun-tahun postmodern yang penuh dengan kelimpahan, bunga rampai, dan parataksis telah berakhir’. Banyak akademisi dan kritikus telah lama mencatat pergeseran budaya yang lebih luas, menghubungkannya dengan pergolakan ekologi, keuangan dan teknologi pada tahun 90an, penyerapan teori postmodern ke dalam budaya massa, dan perubahan pendekatan terhadap politik identitas, dari teori queer ke pemikiran postkolonial.
Bagaimanapun, Vermeulen dan van den Akker bersikeras bahwa sejarah telah bergerak melampaui akhir sejarah yang diumumkan secara prematur di Fukuyama – sebuah sentimen yang banyak didengar saat ini. Mereka menggambarkan kebangkitan metamodernisme sebagai kepekaan yang muncul dalam arsitektur, seni, dan film, yang dicontohkan oleh seniman visual termasuk Bas Jan Ader, David Thorpe, dan Kaye Donachie. Ringkasan gagasan Vermeulen dan van den Akker kemudian dikutip secara luas:
Secara ontologis, metamodernisme terombang-ambing antara modern dan postmodern. Ia terombang-ambing antara antusiasme modern dan ironi postmodern, antara harapan dan melankolis, antara kenaifan dan kesadaran, empati dan apatis, kesatuan dan pluralitas, totalitas dan fragmentasi, kemurnian dan ambiguitas.
Hal ini mungkin menyiratkan bahwa metamodernisme dengan rapi memadukan yang terbaik dari kedua dunia, dan terkadang memang demikian. Namun osilasi pada intinya jauh lebih kacau. Daripada berada di tengah-tengah yang stabil, metamodernisme berperilaku seperti pendulum, berayun di antara dua, tiga, lima, atau kutub yang tak terhitung jumlahnya.
Pada tahun 2015, Vermeulen memperkenalkan gagasan ‘kedalaman baru’, yang diambil dari novelis Italia Alessandro Baricco untuk mengartikulasikan bagaimana beberapa seniman kontemporer menavigasi ide-ide yang mendalam. Sedangkan penyelam modernis terjun ke arah kapal karam dan peselancar postmodernis berkendara melintasi permukaan, perenang snorkel metamodernis melayang dengan arus terhadap sekumpulan ikan, mengeksplorasi gagasan tentang kedalaman tanpa benar-benar terjun ke dalamnya. Vermeulen tidak secara eksplisit menghubungkan hal ini dengan metamodernisme, namun persamaannya menunjukkan bagaimana episteme ini mendekati pencarian makna.
Pendekatan bermanfaat lainnya datang dari Greg Dember, yang menulis teksnya pada tahun 2018 berjudul ‘Setelah postmodernisme: Sebelas metode metamodern dalam Seni’ yang berfokus pada ‘metode metamodern’. Bagi Dember, ‘motivasi utama metamodernisme adalah untuk melindungi interior, subjektif Pengalaman Merasa dari jarak ironis postmodernisme, reduksionisme ilmiah modernisme, dan kelambanan tradisi pra-pribadi.
Dua metode menggambarkan hal ini dengan baik. Yang pertama, ‘refleksivitas empatik’, berkaitan dengan melihat ke belakang secara intensif – baik itu penulis, pembaca, atau karya itu sendiri. Walaupun refleksivitas postmodern cenderung menarik perhatian pada batas-batas otonomi dan pembuktian diri kaum modernis, versi ini mengedepankan dan mengangkat pengalaman hidup penulis, menjadikannya rentan, terbuka, dan mengundang khalayak ke dalam ruang pengakuan dan koneksi.
Metode kedua, yang disebut Dember sebagai ‘yang kecil’, berbeda dari minimalisme modernis dan postmodern. Ketika modernisme menyingkapkan hal-hal yang mendasar dan postmodernisme menggunakan minimalisme untuk menumbangkan narasi modernitas yang lebih besar, lebih baik, dan lebih baru, maka ‘yang kecil’ semakin mempersempit kerangka tersebut. Lagu ini bersandar pada detail-detail kecil untuk memupuk rasa kedekatan dan kesegeraan – misalnya, melalui keintiman Billie Eilish yang hening dan hembusan napas, atau dunia suara yang tenang dan direkam dari dekat yang diperjuangkan oleh label Inggris Another Timbre.
Yang agak luar biasa – Robin Haigh
Tidak semua komposer tertarik untuk menganut aliran atau label tertentu, namun Robin Haigh tidak keberatan dengan ‘metamodernisme’ sebagai eksonim untuk praktik artistiknya. Di antara karyanya yang paling banyak ditampilkan adalah Kuartet Senar No. 1: Samoyeddinamai berdasarkan nama anjing penggembala Siberia yang dibedakan dari bulu putihnya yang subur. Haigh mentranskripsikan video YouTube tentang anjing-anjing yang bernyanyi dan melolong bersama, mengubahnya menjadi sebuah karya konser yang lengkap.
Jika seseorang mengetahui bahwa karya tersebut didasarkan pada transkripsi video YouTube, maka kita akan tergoda untuk mendengarkannya melalui lensa postmodern yang lazim – kutipan, intertekstualitas, atau bunga rampai – namun hal tersebut tidak tepat sasaran. Konsep dasarnya memang lucu, tapi kuartetnya bukan sekadar lelucon. Musiknya indah dan menyentuh, memadukan humor dengan pengabdian yang hampir spiritual dengan cara yang terasa agak luar biasa.
Salah satu dari sebelas metode metamodern Dember adalah apa yang disebutnya ‘ironesty’: jalinan antara ironi dan kesungguhan dalam satu ekspresi artistik. Di telinga saya, kuartet gesek ini menangkap keseimbangan itu dengan meyakinkan. Sebagai alternatif, karya tersebut dapat didekati melalui gagasan performatisme Raoul Eshelman, di mana kerangka luarnya – anjing-anjing yang membentuk kuartet pangkas rambut – cukup absurd untuk memungkinkan keterlibatan penuh dengan kedalaman emosional musik. Apa pun kasusnya, kualitas emosi yang tidak malu-malu membedakannya dari bacaan postmodernis.
Seperti sebagian besar karya Haigh, Kuartet Senar No. 1: Samoyed penuh dengan glissandi dan mikrotonalitas. Seperti yang dikatakan Zygmund de Somogyi, seorang sarjana metamodernisme musikal, teknik-teknik ini ‘melayani hal yang luar biasa’, memberi tahu Anda ‘ada sesuatu yang terjadi’. hanya mati’. Bagi saya, tindakan Haigh yang tidak jelas dan sedikit meresahkan mencerminkan disorientasi sosiopolitik saat ini, di mana hanya sedikit orang yang merasa stabil.
Teknik yang sama memainkan peran sentral dalam KEBERUNTUNGAN: Konserto untuk Terompet dan Orkestradi samping pendekatan khas terhadap bunga rampai. Meskipun pastiche postmodern sering kali mengungkap asumsi yang mendasari setiap gaya, dalam metamodernisme ia memiliki fungsi yang berbeda. Istilah Dember untuk hal ini, ‘pastiche konstruktif’, menggambarkan sebuah proses yang ‘menggabungkan elemen-elemen yang berbeda untuk membangun sebuah ruang yang dihuni oleh pengalaman yang dirasakan yang tidak nyaman bagi salah satu elemen itu sendiri’.
Di dalam KEBERUNTUNGANbunga rampai yang konstruktif terungkap melalui penjajaran yang tidak terduga. Gerakan pertama dibuka dengan dawai tinggi yang membangkitkan musik disko ala Dua Lipa, dilapisi dengan alat tiup kuningan dan tiupan kayu yang meluncur seperti synth video game yang tidak selaras. Di tengah jalan, jig yang meriah muncul, meniru musik orkestra ringan dari acara radio BBC abad pertengahan, seperti yang dijelaskan Haigh. Gerakan keempat diwarnai oleh dunia harmonis Stevie Wonder’s Bukankah Dia Cantik.
Kontras ini tidak bersifat parodik; sebaliknya, mereka menciptakan dunia musik yang khas, mirip dengan playlist pribadi yang dengan bebas memadukan era dan gaya. Dunia suara Haigh membangkitkan perasaan sedih akan masa lalu – apa yang disebut Dember sebagai ’meta-cute’, atau apa yang Haigh sendiri sebut sebagai ’nostalgia milenial’. Bagi saya, musiknya menawarkan undangan lembut untuk mengunjungi kembali tempat teraman – masa kanak-kanak. Atau setidaknya ruang dengan kualitas masa kanak-kanak, seperti milik Wes Anderson Hotel Grand Budapest.
Puisi-puisi duniawi – Francesca Fargion
Kepekaan metamodern berkembang dalam musik komposer-pemain yang berbasis di London Francesca Fargion. Sederhana, seperti mimpi, dan sangat absurd, lagu-lagunya tidak hanya emosional; mereka mengambil emosi itu sendiri – dan kebingungan yang sering menyertainya – sebagai subjeknya dan memasukkannya ke dalam sandiwara yang tinggi. Penuh dengan melodrama yang bersahaja, karya-karya ini mengangkat puisi dari hal-hal duniawi – hal-hal yang fana dan dangkal sehari-hari.
Fitur penting lainnya dari penceritaan musikal Fargion adalah peralihannya ke otobiografi dan dokumenter. Seringkali, materi sumber pribadi menjadi inti karyanya. Lagu Buku Harian mengatur entri buku harian musik yang dia tulis pada usia dua belas tahun, sementara Bersama dengan yang lainnya menceritakan imigrasi kakek neneknya yang berkebangsaan Italia ke Inggris, menggunakan kalimat dan intonasi yang dia rekam dari mereka.
Ditulis pada tahun 2024 untuk ansambel kamar, paduan suara dan pianis bernyanyi, Luna sayang mungkin merupakan siklus lagu Fargion yang paling khas hingga saat ini. Penuh mimpi dan nyata, lagu-lagu yang sebagian besar bersifat diatonis mengeksplorasi tiga tema: alam dan musim, emosi manusia, dan hubungan anak-orang tua – yang terakhir menghindari kiasan metamodern yang lazim berupa trauma antargenerasi.
Mari kita pertimbangkan tiga lagu dari Luna sayang untuk merasakan osilasi metamodern Fargion antara kesungguhan dan ironi. Yang pertama, ‘Rush River’ (dari menit 8:39), membangkitkan pemandangan pastoral dengan arpeggio yang melaju, garis-garis melismatik, dan aliran yang gelisah, mencerminkan sungai itu sendiri. Di telinga saya, ini sepenuhnya sungguh-sungguh, tanpa sedikit pun ironi. Sesuai dengan tradisi Romantis, ini hanya mengajak kita untuk berhubungan kembali dengan alam.
Osilasi-sebagai-teknik menjadi osilasi-sebagai-trope dalam balada ‘My Heart’ (dari menit 10:43). Pengulangan kata ‘bahagia’ dan ‘sedih’ menandakan ambiguitas emosional, namun perkembangan lingkaran membuat efek keseluruhannya menjadi sangat menyedihkan. Jika Sekolah Emosionalisme dan Metamodernisme Inggris mempunyai lagu kebangsaan, lagu ini pastilah lagunya.
Tingkat ironis yang paling tinggi terlihat pada kata ‘selamat datang di dunia’ (mulai menit 5:31). Lagu ini dibuka dengan akord mirip keriuhan yang membingkai liriknya: ‘selamat kepada dunia, kecuali kamu membencinya, mari kita berpesta’. Pada suasana yang sudah tidak masuk akal ini, Fargion menambahkan gangguan halus pada prosodi alami – ritme, tekanan, dan intonasi – menciptakan perasaan sadar bahwa ada sesuatu yang tidak beres, mengingatkan kembali pada ’lembah luar biasa metamodern’ de Somogyi.
Pengaruh formatif pada Fargion adalah Pembohong tradisi yang pertama kali dia temui di akhir masa remajanya. Luna sayang secara longgar mengacu pada puisi Goethe ‘An den Mond’, yang juga dibuat oleh Schubert. Catatan pengantar pada rekaman video menandakan ciri-ciri inti metamodern bahkan sebelum seseorang mendengarkan musiknya, menggunakan istilah-istilah seperti ‘Romantis yang naif’, ‘lebih langsung’, ‘nada sederhana’, dan ‘ambiguitas’:
Lagu-lagunya sangat Romantis dan naif, mempertahankan tema aslinya – dengan hubungan erat dengan alam, tragedi, dan cinta – tetapi diucapkan dengan nada yang lebih lugas dan sederhana. Saya ingin setiap lagu mempertahankan semacam ambiguitas, seolah-olah Anda sedang mengintip ke dalam jendela dan menyaksikan potongan-potongan sesuatu tanpa mengetahui semua informasinya.
Ikatan kuat Romantisisme dengan metamodernisme telah terlihat sejak awal. Vermeulen dan van den Akker menulis pada tahun 2010 bahwa metamodern ‘paling jelas, namun tidak secara eksklusif, diungkapkan oleh perkembangan neoromantik akhir-akhir ini’. Kata-kata ‘tidak eksklusif’lah yang patut mendapat perhatian. Karena karya seni metamodern terus bermunculan sejak istilah ini dipopulerkan pada tahun 2010, semakin jelas bahwa keterlibatan mereka dengan kiasan Romantis – seperti ketertarikan terhadap alam, identitas nasional, atau ilmu gaib – sangat bervariasi. Kehadiran tema-tema tersebut juga bukan merupakan prasyarat agar sebuah karya dapat dianggap metamodern. Romantisisme adalah gerakan penuh gaya, sedangkan metamodern memiliki gema – harmoni nada dan sederhana bisa dinyanyikan melodi – masih bersifat parsial. Penelitian lebih lanjut dan jarak historis mungkin diperlukan untuk menentukan apakah metamodernisme musik melibatkan teknik tertentu atau sekadar sensibilitas menyeluruh.
Bisa dibilang, sebagian besar komposisi kontemporer masih menyukai struktur yang diperhitungkan dan kompleksitas yang cermat. Namun lagu-lagu Fargion, meski dibentuk dengan hati-hati, berbeda dari garis keturunan modernis-Romantis ini. Mereka menampilkan kesederhanaan dan kesegeraan melalui harmoni yang lugas, melodi yang jernih, dan subjek yang bersahaja – terkadang dengan kedipan mata. Dengan menceritakan kisah-kisah yang mendekati absurd, musik membangun kerangka luar yang menandakan lelucon sekaligus memungkinkan pendengar untuk sepenuhnya terlibat dengan kedalaman emosionalnya. Gagasan Eshelman tentang performatisme juga terlihat jelas dalam karya-karya ini.
Menjadi metamodern atau tidak?
Di manakah contoh musik ini meninggalkan kita? Bagi saya, hal-hal tersebut menunjukkan bahwa semangat postmodern, yang ditandai dengan ironi dan jarak intelektual, telah memudar selama beberapa waktu, sehingga memunculkan penekanan baru pada iman dan ketulusan. Pergeseran ini mungkin paling jelas dicontohkan oleh optimisme pada tahun 2010-an – pikirkan slogan Barack Obama, ’ya, kita bisa’ – meskipun sering kali slogan tersebut hanya menunjukkan kesadaran diri dan mengakui idealisme naifnya.
Pertanyaan apakah metamodernisme menawarkan gambaran yang valid tentang masa kini, tentu saja, masih bisa diperdebatkan, begitu pula pertanyaan apakah kepekaan ini terus membentuk praktik artistik di tahun 2020-an. Metamodernisme bukanlah satu-satunya tanggapan terhadap etos postmodern. Ia hadir berdampingan dengan ’trans-postmodernisme’ karya Mikhail Epstein, ’digimodernisme’ karya Alan Kirby, ’altermodernisme’ karya Nicolas Bourriaud, dan masih banyak lagi. Jika metamodernisme bisa bertahan, apakah metamodernisme akan berdiri sebagai sebuah kategori tersendiri di samping modernisme dan postmodernisme, atau akankah metamodernisme pada akhirnya dimasukkan ke dalam kerangka modernitas yang lebih luas?
Jika menyangkut teknik komposisi tertentu, gambarannya kurang jelas dibandingkan dengan kategori estetika yang lebih luas. Kita tentu bisa menyebutkan materi tonal, melodi yang ‘lebih sederhana’, mikrotonalitas, dan pengaruh gaya pop dan non-klasik – namun apakah hal-hal tersebut merupakan gambaran utuhnya? Apakah Romantisme merupakan paralel yang berguna, atau lebih tepatnya jalan buntu? Apakah metamodernisme musik mengundang bentuk dan teknik tersendiri?
Apapun jawabannya, pendengaran dan keterlibatan saya telah mengungkapkan serangkaian ciri estetika baru yang muncul di berbagai negara dan generasi. Terlepas dari individualitas gaya masing-masing komposer, kepekaan ini muncul, pada tingkat yang berbeda-beda, dalam komposisi Jennifer Walshe, Alex Paxton, Simon Steen-Andersen, Cassandra Miller, Oliver Leith, Øyvind Torvund, Natacha Diels, Matthew Shlomowitz, Laurence Crane, Maddie Ashman, Neil Luck, Bastard Assignments, Ben Nobuto, Matthew Grouse dan banyak lagi. Musik mereka menunjukkan bahwa, meski bervariasi dan berkembang, kepekaan metamodern telah menjadi arus bawah yang diam-diam bertahan dalam komposisi kontemporer.
A
Daftar putar YouTube tentang musik metamodern
Matthew Shlomowitz dan Jennifer Walshe – Gereja Tidak Akan Membiarkan Anda Melakukan Eksorsisme Lagi
Alex Paxton – Munchy yang renyah
Simon Steen-Andersen – Kesulitan dalam mempraktekkannya
Cassandra Miller – Duet untuk Cello dan Orkestra
Oliver Leith- hari baik hari baik hari buruk hari buruk
Øyvind Torvund — Rencana untuk Opera Masa Depan
Natacha Diel – Masalah Indah
Laurence Derek – Dunia Alami
Maddie Ashman – Gelap
Keberuntungan Neil – Mohon maaf, Sedang Berlangsung
Tugas Bajingan – Tebal & Ketat: Bangun
Ben Nobuto – Haleluya Sim
Matthew Belibis – Kami Senang Bertemu Kami
